É a exposição de moda mais visitada da história com 1,659,647 pessoas em pouco mais de cinco meses, superando um recorde que pertencia às antiguidades egípcias do faraó Tutankhamon desde 1978. O curador Andrew Bolton organizou um diálogo entre alta-costura e a tradição visual da Igreja Católica que nunca tinha sido tentado com esta profundidade: 150 peças de vestuário de designers como Chanel, Versace, Alexander McQueen e Rei Kawakubo coexistiam com 42 relíquias litúrgicas emprestadas diretamente da sacristia da Capela Sistina, muitas delas a sair do Vaticano pela primeira vez. Bolton precisou de doze viagens ao Vaticano para convencer o círculo interno do Papa Francisco a participar.

A exposição ocupou 60.000 metros quadrados e 25 galerias distribuídas entre o Met Fifth Avenue e o Met Cloisters, criando um percurso que a direção descreveu como uma peregrinação. O debate que gerou foi igualmente colossal: enquanto alguns a descreveram como "um presente dos deuses do vestuário", centenas de católicos protestaram à porta do museu acusando-a de blasfémia. A Rihanna apareceu no Met Gala desse ano vestida de Papa. E a moda nunca voltou a ser discutida exatamente da mesma forma.

Nasceu no Met em 2011, um ano depois da morte de Alexander McQueen, e chegou ao Victoria & Albert Museum de Londres em 2015 com uma intensidade diferente, porque em Londres McQueen era local, era filho da cidade, e as filas de quatro horas confirmaram isso. A versão do V&A tornou-se a exposição mais visitada da história do museu até então, com mais de 480.000 visitantes. McQueen nunca foi um designer no sentido convencional, foi um contador de histórias perturbado e brilhante que usava a roupa como linguagem de choque e ternura em simultâneo.

A curadoria de Andrew Bolton no Met organizou a obra de McQueen em "câmaras" temáticas, a sala do xadrez de Highland Rape, a sala do romantismo sombrio, a instalação do vestido holográfico de Kate Moss que pairava no ar feito fantasma. Cada espaço era uma experiência imersiva antes de o conceito de "imersivo" se ter banalizado. O legado de Savage Beauty não é só ter introduzido McQueen a um público enorme, é ter demonstrado que a moda merece ser lida com a mesma seriedade com que se lê pintura ou escultura.

A mais completa retrospetiva de uma casa de moda já montada num museu britânico, Christian Dior: Designer of Dreams estreou-se em Paris no Musée des Arts Décoratifs em 2017 e viajou para o V&A em 2019, onde quebrou o recorde de Savage Beauty ao atrair mais de 600.000 visitantes num único local. A exposição narrava a história da casa Dior desde o primeiro New Look de 1947, aquele bar jacket com cintura de vespa que redefiniu a feminilidade do pós-guerra, até às coleções mais recentes de Maria Grazia Chiuri.

O que a tornava excepcional era a profundidade histórica combinada com a encenação teatral de cada sala. Cada diretor criativo da casa como Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons e Chiuri, tinha um espaço próprio onde o seu capítulo da Dior era narrado através de peças, arquivo fotográfico e design de interiores. Era possível entrar na exposição sem saber nada sobre moda e sair com uma compreensão densa de setenta anos de história europeia através do vestuário.

Em 2016, a oposição entre feito à mão e feito à máquina já era, na indústria da moda, uma distinção em colapso. A Manus x Machina partiu precisamente desse colapso para construir uma exposição que desafiava o visitante a repensar onde está a diferença entre artesanato e tecnologia quando os dois convergem no mesmo objeto. 170 peças de alta-costura e prêt-à-porter foram organizadas não por cronologia, mas por técnica de bordados, rendas, plissados, texturas, mostrando em cada categoria como mão humana e máquina se aproximam cada vez mais.

No centro da exposição estava um vestido branco de Chanel, uma peça que levou 3.000 horas de trabalho humano, rodeado por exemplos de produção algorítmica de alta precisão. A mensagem não era que um era superior ao outro: era que a distinção deixou de fazer sentido no século XXI. Com 752.995 visitantes, foi a terceira mais vista da história do Costume Institute, e abriu um debate sobre o papel da inteligência artificial na criação artística que em 2016 parecia premonitório e em 2024 pareceu profético.

Andrew Bolton escolheu Susan Sontag como ponto de partida, especificamente o ensaio Notes on Camp de 1964, em que Sontag tentou definir algo que, por definição, resiste à definição. O "camp" é a estética do exagero deliberado, da teatralidade levada a extremos que deixam de ser ridículos e passam a ser sublimes. É Liberace, são as drag queens, é Versace, é o Oscar Wilde. É tudo aquilo que a cultura ocidental tratou durante séculos como demasiado, demasiado extravagante, demasiado queer para ser levado a sério, e que agora um museu consagrava com 200 peças dispostas em galerias douradas e espelhos barrocos.

A reação foi previsível e dividida. Metade da crítica adorou a ousadia conceptual; outra metade questionou se o Met tinha capturado alguma coisa ou apenas desvitalizado o que era subversivo ao pô-lo num museu. A exposição vendeu completamente todas as entradas antecipadas. E o Met Gala desse ano, onde Lady Gaga fez quatro mudanças de roupa em dois minutos na passadeira vermelha, tornou-se provavelmente o mais fotografado da história.

Elsa Schiaparelli foi a designer que convenceu Salvador Dalí a colaborar numa coleção de moda nos anos 30 e que, ao fazê-lo, transformou a forma como a moda se relaciona com a arte visual. A exposição do Met em 2012 fez algo que poucas instituições teriam coragem de tentar: pôs em diálogo a obra de Schiaparelli com a de Miuccia Prada, como se as duas pudessem conversar através do tempo. Vídeos da atriz Judy Davis a interpretar as duas, como num diálogo imaginário entre presente e passado, pontuavam galerias onde chapéus em forma de sapatos, vestidos com gavetas (projetados com Dalí) e luvas com unhas pintadas coexistiam com peças contemporâneas de Prada.

A relação entre surrealismo e moda é mais profunda do que o encontro de dois mundos, é a descoberta de que a moda, quando levada ao extremo, já é surrealismo. Schiaparelli sabia isso nos anos 30. A exposição do Met demonstrou que o mundo finalmente estava pronto para perceber o que ela quis dizer.

O Palais Galliera, o museu de moda de Paris por definição, tem a coleção mais extensa da Europa nesta área, mais de 200.000 peças de vestuário, acessórios e documentos que cobrem do séc. XVIII ao presente. A exposição Costume Art, inaugurada em 2024, não tentou contar uma narrativa linear da história da moda: tentou, em vez disso, mostrar o que permanece quando a moda passa. A roupa como arquivo do desejo humano, o que cada peça revela sobre a época que a criou, sobre o corpo que a usou, sobre o olhar que ela tentava provocar.

O resultado foi uma exposição que punha um vestido de baile do séc. XIX ao lado de uma peça de Rei Kawakubo e deixava o visitante descobrir sozinho porque os dois falavam a mesma linguagem. É o tipo de curadoria que não guia, propõe. E num museu que existe precisamente para guardar o que o tempo ia deitando fora, fazia todo o sentido que a última palavra pertencesse aos objetos.